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Privilégios

por Sérgio de Almeida Correia, em 12.10.14

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"As imagens que as fotografias de António Conceição Júnior nos propõem parecem ser uma resposta a essa inquietação metafísica relacionada com a dimensão cósmica do ser humano, dos seus territórios naturais e artificiais, o repositório dos seus deveres e das suas vaidades. Caso se tratasse de uma genérica inquietação, próxima do conceito budista de dukkha (geralmente traduzido - mal - como sofrimento, mas que estará mais perto de ansiedade, insatisfação), ondularíamos na ordem da cura. Felizmente essa inquietação transmuta-se, na e pela arte, em interrogações nómadas, em afirmação territorial, no desempenho de uma absoluta liberdade." - Carlos Morais José

Doze obras-primas dos museus de França (12)

por Sérgio de Almeida Correia, em 10.07.14

Um pintor de cabeleira azul segurando a paleta na mão esquerda enquanto o modelo posa. Em rigor, este modelo nunca terá posado, bastando ao pintor a sua proximidade, a sua presença. O modelo era Jacqueline Roque, a última mulher do pintor. Picasso (1881-1973) cruzou-se com aquela com quem viria a casar-se em 1961 por altura do falecimento de Matisse. Quando este morreu Picasso terá dito que dele recebia em testamento os seus modelos, as "odaliscas". Quando casou com Jacqueline o corpo já não tinha a vitalidade e a força da juventude, pelo que o olhar e o pincel do pintor tornam-se nos substitutos da relação carnal. Entre o final de 1962 e 1963 dedicou a Jacqueline uma série de pinturas, entre as quais Le peintre et son modèle dans l'atelier (1963). Nesta fase, Picasso usa pinceladas largas, as cores são mais imprecisas e as formas simplificadas. A este propósito acabaria por confessar um dia: "levei toda a minha vida para saber desenhar como uma criança".  

Doze obras-primas dos museus de França (11)

por Sérgio de Almeida Correia, em 09.07.14

Tal como acontece como muitos outros grandes senhores da arte, Fernand Léger (1881-1955) fez de tudo um pouco. Ao longo da sua vida foi decorador, ceramista, autor de vitrais, escultor, desenhador, ilustrador e até cartoonista. Parte da sua obra relativa ao período entre 1902 e 1908 foi destruída pelo próprio, sendo que terá sido a partir desse anos e na sequência de uma retrospectiva dedicada a Cézanne, que teve lugar em 1907, que começou a ser decisivamente influenciado por este, para depois se aproximar do cubismo de Picasso e Braque. A procura do equilíbrio entre as formas, as linhas e as cores passou a ser uma constante. As suas formas geométricas ganham autonomia e dinamismo no espaço que lhes é destinado. Isso é particularmente visível num tema caro aos impressionistas e que se impôs na obra de vários artistas do seu tempo. O circo surge como um precursor dos grandes espectáculos de massas. Favorecido pela revolução industrial aparece de uma forma ou de outra nas obras de Degas, de Toulouse-Lautrec, de Picasso, Matisse, Seurat e outros. O circo, como Léger, explicou, foi o acontecimento da sua infância e permitiu-lhe, bem como aos seus contemporâneos, estudar o ritmo, o movimento e a cor. Chagall diria que o circo preenchia as suas horas nocturnas, ocupando o centro do seu quarto, de onde passou para as telas. O Circo Médrano (1918) é um reflexo de tudo isso e da influência que teve nessa geração de pintores, do envolvimento das formas e da cor, em especial da dinâmica do movimento em pequenos fragmentos de um espectáculo popular e moderno. Posteriormente, Léger, que em 1940 se exilou em Nova Iorque, onde vem a descobrir o circo Barnum no Madison Square Garden, com todas as suas pistas e espectáculos em simultâneo, dedicaria mais algumas telas à temática do circo (La danseuse bleue, 1930, Le jongleur et les acrobates, 1943 e Les acrobates en gris, 1942-44). No entanto, o Circo Médrano, uma metáfora da vida, ficaria como uma das suas obras de referência, a que não faltam o trapezista, o palhaço, o cão amestrado ou as bancadas.

Doze obras-primas dos museus de França (10)

por Sérgio de Almeida Correia, em 08.07.14

 

Apresentado como Still life with a magnolia, esta obra de Henri Matisse (1869-1954) foi pintada em 1941, fazendo parte da colecção do Centro Pompidou. O uso livre da cor como caminho para a expressão da arte está aqui bem presente. A criação da arte através da cor recorrendo a formas simples e lineares que a realçassem. Figura de proa do fauvismo, grande precursor da arte moderna, considerado por alguns o mais francês de todos os pintores do século XX, teria influência decisiva no movimento de pintores abstraccionistas norte-americanos das décadas de cinquenta e sessenta. Mais do que um desenho, a cor seria uma libertação, de certa forma dando corpo a uma ideia que muitos anos depois Picasso retomaria numa outra perspectiva: "é preciso ver toda a vida como quando se era uma criança".  

Doze obras-primas dos museus de França (9)

por Sérgio de Almeida Correia, em 07.07.14

A apreensão do instante, a mulher amada levada pelo sonho, pelo silêncio e a melancolia, numa cena de profunda tranquilidade. Pierre Bonnard (1867-1947) deixou-nos aqui a "fotografia" de Marthe Bonnard, que nascera Boursin e depois se tornou Marthe de Méligny antes de acabar Bonnard, e por quem o pintor se apaixonou depois de a ter conhecido em circunstâncias pouco usuais. Pierre salvou Marthe de um acidente de autocarro e rapidamente se perdeu de amores pela mulher que se tornaria a sua musa e com quem casaria em 1925. O quadro, datado deste mesmo ano, faz parte de um conjunto de cerca de mil outros onde ela aparece, alguns deles nus verdadeiramente impressionantes ainda este ano expostos em L’Annonciade, Museu de Saint-Tropez, numa mostra dedicada aos nus que terminou no passado mês de Junho. Para se perceber a influência de Marthe na obra de Pierre Bonnard convém ter presente que o artista pintou cerca de quatro mil telas. Inserido por alguns já no movimento pós-impressionista, Bonard fez parte do chamado grupo de artistas experimentalistas, conhecido por Nabis, palavra derivada do hebraico "nebiim" que significava "profetas". Admiradores de Gauguin, o grupo incluía os nomes de Maurice Denis, Paul Sérusier, Paul Ranson, Édouard Vuillard e Ker Xavier Roussel. Bonnard tornar-se-ia mais tarde no líder do grupo dos intimistas. O corpete vermelho, conhecido como Le corsage rouge, é considerado um dos expoentes da sua versátil obra. O artista pinta a realidade como a sente, já não como ela surge aos seus olhos.   

Doze obras-primas dos museus de França (7)

por Sérgio de Almeida Correia, em 05.07.14

O ar livre, o jardim, as pessoas tal como elas são em cenas do quotidiano. Tal como Monet, Degas, Sisley ou Pissarro, Auguste Renoir (1841-1919), foi um dos pintores inseridos na corrente do impressionismo. Sendo senhor de uma técnica que combinava o que aprendera no seu anterior ofício de porcelanista com os ensinamentos impressionistas dos seus contemporâneos e os técnicas tradicionais de utilização das tintas, o quadro Le balançoire (1876) é um pedaço da realidade do seu tempo. A imagem aqui reproduzida não permite apreciar a efusão da cor pela tela, o traço rápido do pincel, o branco majestoso do vestido, os rostos límpidos e serenos, os raios de sol que atravessam a copa das árvores e deixam o chão pintalgado. A paz, a serenidade e a tranquilidade libertam-se da tela para nos invadirem e transmitirem uma imensa sensação de doçura, tão bem expressa na imagem da menina junto à árvore.

Doze obras-primas dos museus de França (6)

por Sérgio de Almeida Correia, em 04.07.14

Quatro anos depois de ter chegado a Paris, o grande mestre do impressionismo Claude Monet pintou La Rue de Montorgueil à Paris, Fête du 30 Juin de 1878. "Aqui, o ponto de vista e a técnica adoptados pelo pintor são notáveis. No eixo da rua e em altura, representa a totalidade do espectáculo. O alinhamento das fachadas e das bandeiras cria uma perspectiva que guia o olhar ao longe. Para representar a multidão, o céu ou as bandeiras, o pintor aplica sobre a tela diversas pequenas pinceladas de cor. Não existe qualquer linha a formar os contornos ou os detalhes. De perto, tudo parece desintegrado. Mas, observados ao longe, a cor e o contraste recompõem perfeitamente uma impressão da realidade". A rua, como escreveu o pintor, "estava negra de gente" e ele viu uma varanda, a que subiu para pintar.

Doze obras-primas dos museus de França (5)

por Sérgio de Almeida Correia, em 03.07.14

Esea quadro de Adolph Ulrick Wertmüller (1751-1811), que faz parte da Colecção do Château de Versailles, está datado de 1788. É considerado um dos mais belos quadros de Marie-Antoinette, Rainha de França, nos seus 33 anos. Apesar de no meu conceito estético e de beleza o modelo ficar muito a desejar, os detalhes do rosto e os olhos, dizem os entendidos, terão sido captados na perfeição, deles emanando todo o seu charme. Mas como o que interessa é a qualidade da obra e o prodígio do traço, da cor e da luz, registe-se que a senhora é apresentada envergando uma jaqueta própria para montar a cavalo de tipo inglês e um chapéu à crioula, sinais do seu interesse pela moda e pelo luxo, que a tornaria tão impopular numa altura em que o seu povo vivia na miséria. Seria executada cinco anos depois.

Doze obras-primas dos museus de França (4)

por Sérgio de Almeida Correia, em 02.07.14

Recortado na luz e na sombra, a imagem do apóstolo que só acreditou na ressurreição de Cristo quando lhe tocou na carne, regista o Santo como uma pessoa normal, rodeada pela sobriedade, como um homem cuja vida é igual à dos outros. Pintado por volta de 1663, São Tomás com uma lança é um produto da arte de Georges de La Tour, que viveu entre 1593 e 1652. O quadro faz parte da sua série de pinturas dedicadas aos apóstolos. Tem a particularidade de estar assinado e ter no canto superior direito uma inscrição em latim dando conta de que foi o próprio quem o pintou. A lança é um atributo tradicional da figura de S. Tomás, mas neste caso evocará a sua morte na Índia, segundo reza a lenda em Mylapore (Chennai), no estado de Tamil Nadu. Na sua mão esquerda estão os Evangelhos, essenciais para a divulgação da palavra de Deus.   

Doze obras-primas dos museus de França (3)

por Sérgio de Almeida Correia, em 01.07.14

Este é um quadro que impressiona pelo pormenor do desenho e a intensidade das sombras nas vestes do retratado. Trata-se do Retrato de Francisco I, Rei de França, quadro pintado por volta de 1530 da autoria de Jean Clouet (1480-1540). Famoso por ter sido um amante da arte e um dos mecenas do seu tempo,o rei foi pintado no Castelo de Fontainebleau. Vestido à italiana, sem os atributos da função, o quadro reúne a precisão do realismo flamengo com a influência dos pintores italianos da Renascença. Ao peito, o colar da Ordem de S. Miguel, da qual era o grande mestre, é de um rigor inexcedível.

Doze obras-primas dos museus de França (2)

por Sérgio de Almeida Correia, em 30.06.14

A paixão entre um homem e uma mulher foi sempre motivo de inspiração para qualquer artista. Da poesia à música, passando pela literatura e a pintura. O Ferrolho, de Jean Honoré Fragonard (1732-1806), é mais um desses exemplos. Pintado por volta de 1777, depois de uma segunda viagem a Itália e do rompimento do pintor com Madame du Barry, a amante favorita de Luís XV, esta tela retrata uma cena de paixão e reflecte as influências e a admiração que o artista terá tido pelos mestres do Barroco (Rubens) e da Escola Holandesa (Rembrandt), inaugurando um novo estilo. As cores, em tons pastel, típicas do Rococó, apresentam-se neste quadro como uma ponte entre as cores fortes do Barroco e o período neoclássico. Para alguns tratar-se-ia de uma resposta a Viens, a favor de quem o pintor perdeu o apoio de Madame du Barry. O quadro é atravessado por uma linha imaginária que liga o ferrolho à maçã, não se percebendo se a cena antecede ou sucede ao encontro entre os amantes. Se por um lado se fica com a sensação de que o ferrolho está a ser corrido, por outro verifica-se que as almofadas estão em desalinho. Um quadro que há muitos anos não via e que voltou a impressionar-me pela cor e a luz que o atravessam.   

Doze obras-primas dos museus de França (1)

por Sérgio de Almeida Correia, em 29.06.14

Da autoria de Fraçois Boucher, pintor que viveu entre 1703 e 1770, "Diana saindo do banho" foi pintado em 1742 e mostra a deusa, depois de uma caçada e de um banho retemperador, a preparar-se para se arranjar enquanto segura um colar de pérolas. A seu lado uma ninfa que a ajuda. O quadro é todo ele um hino à feminilidade e à beleza da mulher, sendo Diana apresentada em toda a sua graça e sensualidade, em comunhão com a natureza. A luz vem toda da esquerda e a profundidade do azul faz realçar ainda mais a frescura e brancura da pele da deusa e o verde da vegetação. Ao seu lado, no chão, os troféus da caçada.

arte

por Patrícia Reis, em 16.06.14

Paula Rego meets Jesus

por Rui Rocha, em 24.05.14

Um festival da diplomacia cultural dirigido aos sentidos

por Sérgio de Almeida Correia, em 05.05.14

Em 1993, o Consulado Geral de França em Hong Kong e Macau deu início a um conjunto de iniciativas que se têm vindo a repetir anualmente e são actualmente conhecidas como "O Maio Francês". Em rigor, Le French May é bem mais do que um simples festival porque não só não se esgota em Maio como consegue prolongar-se por todo o mês de Junho, com extensão, num caso pelo menos, até Setembro, congregando exposições, cinema, música e gastronomia. Este ano terá lugar a vigésima segunda edição e o que aí vem é um verdadeiro festim para os sentidos, celebrando os 50 anos do estabelecimento das relações diplomáticas entre a França e a China.

Deixo aqui para os leitores do DO uma pequena ideia dos eventos, mas gostaria em especial de sublinhar a exposição de doze obras primas da pintura mundial, que estará patente no Museu de Arte de Macau, e que justificou o maior seguro alguma vez feito por estas bandas, isto é, qualquer coisa como o equivalente a € 300.000.000,00 (trezentos milhões de euros). Entre as obras que estarão à vista de quem nisso tiver interesses sublinho Le Balançoire, de Renoir, Le Verrou, de Fragonard, o retrato de Francisco I, de Clouet, e Pintor e Modelo em Estúdio, de Pablo Picasso. As obras virão directamente para Macau do Museu D'Orsay, do Louvre, de Versailles e do Centro Pompidou. 

 

Para quem é apreciador de Rameau, tantas vezes esquecido e aqui há uns anos justamente homenageado no CCB, num programa da Festa da Música, destaco  Le Concert d'Astrée com Emmanuelle Haïm, a soprano Katherine Watson e o tenor Anders Dhalin. Por ser uma das minhas obras favoritas, espero que seja possível escutar Rondeau des Indes Galantes. Mas também virão Philippe Jaroussky & The Venice Baroque Orchestra, Roland Dyens, O Fausto, de Gonot, numa co-produção da Ópera de Nice Côte d’Azur, da Ópera de Avignon e do Théâtre de Saint-Étienne, dirigida por Paul-Emile Fourny, Sons d'Auvergne pela Filarmónica de Hong Kong e a mezzo-soprano Clara Mouriz.

Muito mais haveria a dizer, como haverá depois a contar, mas convém que para os lados da Gomes Teixeira e das Necessidades se reflectisse também sobre se não fará mais sentido uma ofensiva da nossa diplomacia cultural, em larga escala, que atrás dela levará a diplomacia económica, do que andar a vender apartamentos com títulos de residência acoplados, a preços inflacionados e sem verdadeira criação de riqueza.

De qualquer modo, deixando estas considerações para outra altura, se o leitor está a começar a planear as suas férias de Verão, tem uma deslocação prevista para estas bandas ou está simplesmente indeciso, talvez não fosse mau começar a pensar na hipótese de aproveitar a viagem e gozar os prazeres de Le French May. Ao contrário de outras saídas, em que o risco é nosso e a gestão por conta dos outros, esta seria uma saída limpinha. Pode ter a certeza de que tudo aquilo que puder ler, ver, ouvir e degustar por estes lados, nunca ninguém lhe poderá tirar.

De todas as discussões possíveis, política, futebol, costumes, há uma e uma só de que qualquer tipo sensato foge como Jorge Jesus das regras gramaticais elementares. Trata-se, já adivinharam, de qualquer tentativa de estabelecer critérios que permitam decidir se determinada produção ou objecto é ou não uma obra de arte. Mas há momentos em que é preciso arriscar. E não é todos os dias que um objecto de discussão deste calado dá à costa. Costa, o presidente da edilidade lisboeta, como Gepeto dentro da barriga da baleia, já teve oportunidade de se pronunciar afirmando que esta é uma oportunidade única de viajar dentro de uma obra de arte. Aconselha todavia a prudência que avancemos um pouco mais devagar, que os cacilheiros não se fizeram para grandes velocidades. Ora vejamos. Um cacilheiro, este cacilheiro, dificilmente poderia ser considerado uma obra de arte no sentido clássico. Mas as coisas evoluem e devemos a nós próprios a obrigação de não nos tornarmos uns completos botas de elástico. Arejemos pois mesmo os cantos mais recônditos das nossas mentes. E admitamos o passo seguinte.  O de saber se este cacilheiro tem os requisitos mínimos que parece serem exigidos às obras de arte nos nossos dias (notaram por certo a elegância com que evito os termos moderna ou contemporânea e outras designações do mesmo calibre). Este cacilheiro cumpre, isso é certo, a regra da transversalidade dos suportes: qualquer coisa serve para fazer arte, desde atacadores de sapatos até cafeteiras. Por outro lado, responde também ao imperativo da diluição dos significados inteligíveis. Na verdade, caríssimos, hoje em dia um bom indício de que estamos perante uma obra de arte resulta de existir um catálogo, um guia, uma tabuleta, um jornalista, um Presidente de Câmara vá, que nos diga que aquilo é de facto uma obra de arte, conclusão a que não chegaríamos simplesmente olhando para ela. Em decorrência, verifica-se também a tendência nihilista que toda a produção artística contemp... (raios, quase que caía) deve apresentar: é desejável que o objecto não se possa enquadrar em nenhuma referência sólida ou padrão estético. Da mesma maneira, este cacilheiro cumpre integralmente o desígnio da obliteração da busca do belo que contaminava a arte clássica. Ainda assim, e apesar de todos estes indicadores apontarem para estarmos perante uma obra de arte no sentido modern... (irra, que foi quase), o certo é que lhe falta ainda qualquer coisa. Falta-lhe, como poderei dizer, o sentido do efémero que por estes dias é absolutamente indispensável. Isto é, este cacilheiro não é ainda uma obra de arte, mas pode bem vir a sê-lo. Basta torná-lo perecível. Para que este cacilheiro possa ser considerado um objecto inquestionavelmente artístico é preciso afundá-lo.

Crucificações

por José Navarro de Andrade, em 18.04.14

Marc Chagal, "Golgotha", 1912 

Fragment of a Crucifixion.jpg

 Francis Bacon, "Fragment of a crucifixion", 1950 


 Léon Ferrari, "Western-Christian Civilization", 1965 


 Chris Burden, "Trans fixed", 1974 


Hughie O'Donoghue, "Blue crucifixion", 1993-2002


 Bernard Pras, "Christ", 2002


Andrés Garcia Ibanez, "El Cristo de la Muerte", 2003



David Mach, "Die harder", 2010

A família inventada

por Ana Lima, em 25.03.14

 

Quantas de nós, ao longo da vida, não ouvimos já perguntas do género: "Então, quando é que te casas?" Ou a variante: "Então quando é que te casas novamente?" E a questão eterna: "Então quando é que resolves ter um bebé?"

Apesar de as expectativas acerca do papel da mulher na sociedade terem vindo a sofrer alterações ao longo do tempo, ainda se assume, com frequência, que a realização plena das aspirações femininas se prende com a vida familiar estável à volta de um casamento "feliz" e dos filhos que dele resultarem.

Cansada de ouvir as tais perguntas, a artista Suzanne Heintz resolveu brincar com o assunto e criar, artificialmente, uma família que responda ao estereótipo da mulher feliz americana. Para tal, comprou dois manequins que interpretam, nas fotografias encenadas, o marido e a filha “perfeitos”.

O projecto "Life once removed" (que podem acompanhar aqui) inclui fotografias do quotidiano, dos momentos festivos, de férias familiares.

Pelo humor que demonstra e pelo seu significado parece-me um trabalho muito interessante. Claro que uma interpretação mais psicanalítica da obra poderá dar-lhe uma outra perspectiva. Mas fico-me apenas pela ideia e pela sua concretização que, só por si, já têm uma grande força.

A vida é um romance

por José Navarro de Andrade, em 03.03.14

 

O pior vem sempre depois, quando os epígonos radicalizam as ideias do mestre, procurando afirmar-se entre si nessa tresleitura. Foi o caso do noveau roman que acabou estilhaçado às mãos dos desconstrutores do discurso, desvitalizando-o irremediavelmente até se transformar na peça de museu que é hoje.

Com o noveau roman caminhou Alain Resnais no início e se os seus filmes sobreviveram ao despautério tal se deve à sua crença na narrativa. Uma narrativa que se vai pensando, à maneira kantiana, não é forçosamente uma narrativa que vai estiolando. E a prova ficou nos magníficos “Hiroshima mon amour” (com argumento de Margueritte Duras) ou em “L’Anée dernière à Marienbad" (com Robbe-Grillet). Estes filmes mantêm hoje uma doce frescura porque, tal como Resnais mostrou depois, acreditam no cinema.

E o dínamo desta crença terá sido a ironia (amável, não a jocosa), o que vem demonstrado em “Providence” (1977), em que a vaga e acintosa memória de um velho recapitula a sua vida, e em “Mon Oncle d’Amerique” (1980), que passa ao cinema os enredos da psicologia evolucionista de Henri Laborit. Em ambos os filmes o que sucede verdadeiramente é o nosso prazer em sermos enganados por uma narrativa, como se fossemos uns pobres James Stewart atrás da Kim Novak de "Vertigo".

Bastariam estas delicadas e muito prazenteiras filigranas para acalentar Alain Resnais na memória. Vai uma aposta como daqui a 50 anos ainda estará vivo?  

A espantosa longevidade dos pintores

por Pedro Correia, em 12.12.13

Nadir Afonso numa das suas exposições

 

"Leva muito tempo tornarmo-nos jovens"

Picasso

 

Sempre me questionei sobre o motivo da longevidade dos pintores, muito superior à de escritores e músicos, e apenas equiparável à dos arquitectos. A chave dessa incógnita pode estar na frase de Picasso que cito em epígrafe: o pintor tem uma relação única não só com o espaço mas também com o tempo.

Aí estão, para demonstrar esta tese, Georgia O'Keeffe (que morreu aos 98 anos), Marc Chagall (97 anos), Maria Keil (97 anos), Oskar Kokoschka (94 anos), Abel Manta (93 anos), Júlio Resende (93 anos), Alfredo Volpi (92 anos), Willem de Kooning (92 anos), Ticiano (91 anos), Pablo Picasso (91 anos), Andrew Wyeth (91 anos), Joan Miró (90 anos), Victor Vasarely (90 anos), Giorgio de Chirico (90 anos), Victor Pasmore (89 anos), Miguel Ângelo (88 anos), Emil Nolde (88 anos), Dórdio Gomes (88 anos), Lucian Freud (88 anos), Fernando Lanhas (88 anos), Antoni Tàpies (88 anos), Árpád Szenes (87 anos), Henrique Medina (87 anos), Emilio Vedova (87 anos), Frans Hals (86 anos), Jean-Auguste Ingres (86 anos), Claude Monet (86 anos), Carybé (86 anos), Max Ernst (85 anos), Eduardo Viana (85 anos), Henri Matisse (84 anos), Edward Hopper (84 anos), Norman Rockwell (84 anos), Sarah Afonso (84 anos), Salvador Dalí (84 anos), Thomaz de Mello (84 anos), Edgar Degas (83 anos), Jean Dubuffet (83 anos), Jean Hélion (83 anos), Maria Helena Vieira da Silva (83 anos), Francesco Albani (82 anos), Francisco de Goya (82 anos), Carlos Botelho (82 anos), Francis Bacon (82 anos), George Stubbs (81 anos), Benjamin West (81 anos), Veloso Salgado (81 anos), Georges Braque (81 anos), Marcel Duchamp (81 anos), Rolando Sá Nogueira (81 anos), Donatello (80 anos), Francesco Guardi (80 anos), Jean-Baptiste Chardin (80 anos), Edvard Munch (80 anos), Roman Opalka (80 anos), Pierre Bonnard (79 anos), Jean-Baptiste Corot (78 anos), Pierre-Auguste Renoir (78 anos), Wassily Kadinsky (78 anos), José Malhoa (78 anos), Jacques-Louis David (77 anos) e Almada Negreiros (77 anos).
Ou, entre os vivos, Cruzeiro Seixas (93 anos), Albert Bertelsen (92 anos), Júlio Pomar (87 anos), Leon Kossoff (87 anos), Manuel Cargaleiro (86 anos), João Abel Manta (85 anos), Carlos Calvet (85 anos), Arnulf Rainer (84 anos), Jasper Jones (83 anos), Nikias Skapinakis (82 anos) e Frank Auerbach (82 anos).

 

Lembrei-me disto ontem ao saber que o grande Nadir Afonso se despediu de nós, aos 93 anos, para cruzar a noite rumo à eternidade. Também ele levou muito tempo a tornar-se jovem. Ei-lo imune enfim à erosão do tempo. Com a idade exacta da sua arte.

 

  Avenida dos Aliados, Porto (1943), de Nadir Afonso


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